Los invita a participar en el primer CAMP, Para que tomemos fotos, la pasemos bien y compartamos conocimientos sobre el apasionante mundo de la fotografía.
El stop motion, parada de imagen, paso de manivela o cuadro por cuadro es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, ni en la animación por ordenador; esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.
La frecuencia de grabación es, igual que en el cine, de 24 imágenes por segundo, para que el ojo humano pueda percibir un movimiento continuo. Para 1 minuto de grabación se necesitan 1500 imágenes fijas aproximadamente.
Hay dos grandes grupos de animaciones stop motion: la animación con plastilina o cualquier otro material maleable, llamada en inglés claymation, y las animaciones utilizando objetos rígidos.
La animación con plastilina puede hacerse al “estilo libre”, cuando las figuras se van transformando en el progreso de la animación. Puede también orientarse a personajes, que mantienen una figura consistente en el transcurso de la película.
El tema “Chocolate” de los hermanos mexicanos “Jesse & Joy“, se ha realizado con más de 90 galletas diseñadas especialmente para este vídeo realizado con la técnica Stop Motion. Les dejo su myspace para escuchar más de sus temas.
Alicia en el País de las Maravillas ( Título original Alice in Wonderland) fue en 1903, la primera versión cinematográfica del cuento deLewis Carroll, ha sido recientemente restaurada por el Archivo Nacional deBFIy se estrenó en una celebración de la historia de la historia clásica en la Biblioteca Británica.
Hace justo 37 años después de la publicación de la novela y ocho años después del nacimiento del cine, la adaptación de la primera película fue dirigida por Cecil Hepworth y Percy Stow, y se basó en las ilustraciones originales de John Tenniel. Hepworth emitidos a su esposa como la Reina Roja, y él mismo aparece como el lacayo Frog. Su secretario de producción de mayo de Clark jugó Alice, e incluso el gato de la familia y el perro se puso en el acto. El gato juega el gato de Cheshire, y el perro se acerca a ser la primera auténtica estrella de cine británico (canino o de otro tipo) para que su nombre en el crédito de una película cuando se tituló la película de persecución pionera rescatado por Rover en 1905.
Aunque originalmente se ejecuta sólo 12 minutos, Alicia en el País de las Maravillas fue la película más larga producida en Inglaterra en aquella época y representa una inversión importante para los estudios pioneros Hepworth. Sin embargo, a pesar de su importancia histórica, fue casi perdido para siempre, y sólo una impresión incompleta es conocido para sobrevivir.
El día de hoy les compartimos el trabajo de Edit Sliacka, una artista eslovaca de 26 años que vive en Praga y que se especializa en ilustrar libros de cuentos para niños. Ella produce sus imágenes con una variedad de técnicas, incluyendo la digital. Para ver más imágenes creadas por esta artista, pueden echarse un click y visitar su blog así como su página web.
El grupo Massive Attack ha decidido crear un poco de controversia con su nuevo disco Heligoland. El video oficial de su sencillo Paradise Circus, dirigido por Toby Dye, consiste en una entrevista a Georgina Spelvin, una encantadora anciana que comenta sus veinticinco años trabajando como actriz pornográfica. Durante el video se muestran clips muy explícitos de las muchas películas eróticas que Spelvin protagonizó durante su larga carrera. ¿Es este audiovisual una pieza artística muy original, o una cruda excusa para mostrar pornografía? La controversia está servida.
El video, por su contenido sólo para adultos, ha tenido distribución muy limitada. Para verlo en el sitio oficial de la banda, pueden hacerlo haciendo click aquí.
En esta era donde los diseñadores y artistas tienen a su alcance aplicaciones tan avanzadas el como Photoshop, Painter, Freehand e Illustrator, parece impensable utilizar una herramienta tan arcaica como el MS Paint. Este programa casi no ha sufrido modificaciones desde su primera aparición en 1985: carece de capas, canales alfa, filtros y vectores. A diferencia de otros programas, no tiene números ilimitados de undos: tan sólo puede regresarse un paso. Pero precisamente este nivel de dificultad estimula a muchos artistas, que sienten el desafío de crear obras con esta básica herramienta. A continuación les dejamos un video de un artista chileno conocido como Shukei, quien utilizó MS Paint y mucha paciencia para crear esta imagen de la actriz Natalie Portman en 10 horas y 45 minutos.
Para ver más videos de Shukei creando obras de arte con MS Paint, échate un click aquí.
La agencia de publicidad Original de Slovenia, lanzaron esta pieza, con un copy que dice:
“Lo sentimos Cannes Lions! Este año sólo inscribiremos esta idea, desde que decidimos destinar el presupuesto para el concurso para las víctimas del devastador terremoto ocurrido en Haití “
Ojala y si se logre lo que ellos afirman en este anuncio y los invito a ayudar de cualquier forma que tengamos a nuestra alcance a los Haitianos como a los Chilenos.
Hecho por: Agencia de Publicidad: Original, Ljubljana, Eslovenia
Trabajando en conjunto con la agencia Goodby, Silverstein & Partners SF, LAIKA/house ha creado un anuncio muy atractivo para Tostitos Dips con imágenes creadas por computadora. El anuncio de 30 segundos se estrenó en el Tostitos Fiesta Bowl 2010, el 4 de enero.
And Then There Was Salsa (Y Entonces Se Hizo La Salsa) nos muestra una coqueta danzarina de flamenco, que transforma el paisaje cargado de vegetales en una salsa celestial.
El anuncio también muestra la profunda experiencia del director Nicholas Weigel en la animación de personajes y el desarrollo de ambientes minuciosamente detallados.
Para ver la entrevista que se le hizo a Weigel en Motionographer.com, échate un clic aquí.
Aquí tenemos unos ejemplos de como han cambiado algunos de los logos más famosos de la historia. Algunos han mantenido la misma línea, otros han hecho cambios radicales.
No es frecuente en estos días encontrar embalaje original. Soon Mo Kang es el genio detrás de este brillante concepto de bolsas de té. A juzgar por lo brillante del concepto y la atención a los detalles más finos estamos asumiendo que es un gran fan de té y camisetas.
Si algunos de ustedes todavía no han entendido bien el concepto, es muy simple. Té en inglés (Tea) suena parecido a T-Shirt (la palabra inglesa para camiseta o remera) y Kang ha torcido esas dos palabras que suenan parecido en una idea brillante. El mejor toque en la idea es el hecho de que se puede girar la parte superior de la percha para que la bolsita de té se sostenga en su taza. Absolutamente genial.
Les quiero compartir el trabajo del ilustrador británico Brett Wilkinson. Su gusto por las líneas geométricas y los vivos colores queda resalatas en su portfolio.
Grandes cantidades de belleza y creatividad encontramos en las fotografías de glamour de Paul Fernham, talentoso fotógrafo de moda. Fernham, quien vive en Londres, aprendió el arte de la fotografía de moda trabajando junto con personajes de la talla de Bryan Adams, Annie Liebowitz y Brigitte Lacombe. Ahora tiene una impresionante cartera de clientes como Burberry, Oyster y Dansk. Para ver más fotografías, visitar su sitio web.
Me he reunido con una buena cantidad de diseñadores gráficos experimentados que buscan su lugar en este enorme sector. Muchos me han preguntado qué pueden hacer para el diseño a un nivel más profesional. Si bien hay un montón de respuestas a esta pregunta que tienen que ver con la investigación o el proceso creativo, he decidido poner de relieve una serie de cosas que los diseñadores principiantes (o avanzados) pueden hacer para hacer que sus diseños se VEAN más profesionales. Estos consejos son sobre la estética y la sensación general final de la pieza de diseño. Hacemos énfasis en la simplicidad, el contraste, la textura, la profundidad, gradación, y la consistencia. Después de leer la lista, háganos saber lo que ustedes añadirían dejando un comentario.
1. Simplicidad.
Un error de muchos diseñadores principiantes es añadir demasiado a su diseño. Demasiadas sombras, bordes, colores, etc. Menciono a este primer punto por una razón. Al leer el resto de esta lista, por favor recuerda que no todos estos consejos deberían ser utilizados en el mismo proyecto o cada vez que trabaje en un proyecto. Úsalos con moderación y buen gusto.
Un diseñador que es un ejemplo de simplicidad en el diseño es un conocido mío, Brian Hoff. Un vistazo de su obra puede verse en la imagen que acompaña este post. Visiten su portafolio o su blog y podrán ver la belleza en la simplicidad que con tanto éxito se ejecuta.
2. Contraste.
Algo que todos los nuevos diseñadores necesitan aprender (y diseñadores con experiencia necesitan de recordar) es que nuestros ojos están conectados a notar áreas de alto contraste en primer lugar. ¿Has notado cómo está diseñado el aspecto de nuestros ojos? Todos tenemos una pupila oscura y el iris rodeado por el blanco de los ojos. Del mismo modo, ¿ha notado que el primer lugar para buscar a alguien cuando está hablando con ellos pasa a ser sus ojos. No es una coincidencia. Contraste atrae la atención.
Mediante el uso de contraste en su diseño, no sólo será más profesional, pero más eficaz para comunicar su mensaje.
3. Textura.
Ahora bien, esto es peligroso. En mi opinión la textura puede ser utilizado con bastante frecuencia para agregar el impulso extra a las necesidades de diseño. Esto, por supuesto, debe hacerse de manera muy sutil. Texturas extremas o demasiado intensas pueden disminuir el contenido principal de la pieza, pero, si se usa con prudencia, también puede hacer que el diseño de su aspecto un poco más profesional.
¿Por qué es la textura algo tan efectivo? Debido a que imita la vida real. Es muy inusual para nosotros ver un objeto en el mundo que no tenga textura. Chris Spooner, un diseñador de gran influencia y cualificados, es un gran ejemplo de un diseñador que usa la textura y para hacer las cosas más interesantes y profesionales. Consulten el blog de Chris y su portafolio para ver a qué me refiero.
4. Profundidad.
Vamos a pensar un poco más acerca de la forma de ver las cosas en la vida real. Miren hacia abajo, hacia el teclado colocado en su escritorio. O por la ventana a un árbol o una valla. Cada elemento se superpone a otro. El teclado se superpone a la mesa. El cristal de la ventana se superpone a la del árbol y el árbol se superpone a la valla.
Si desean que su diseño sea más profesional y realista, hay que añadir profundidad. Formas sutiles para añadir profundidad a su diseño incluyen:
* Sombras de luz
* Difuminaciones leves
* Formas superpuestas y los objetos
* La pérdida de la saturación o la definición
* ¿Qué más agregarían ustedes?
5. Gradación.
La adición de un gradiente muy sutil y limpio a su pieza de diseño puede ser muy eficaz. Ahora, yo no estoy hablando de los siete gradientes de neón de color aquí, estoy hablando del degradado monocromático (centrado en un solo color) que apenas se nota.
Los gradientes deben utilizarse con moderación para añadir profundidad, dar interés y un elemento adicional de profesionalidad a su diseño.
6. Coherencia.
Este puede muy bien ser el principio más importante de todos ellos. Garantizar la coherencia de su diseño le dará una cohesión, un look “terminado”. Asegúrese de que repetirá los elementos, utilizar una paleta de color limitada, y de limitar las fuentes a un máximo de dos. A continuación, utilizar esos elementos en toda la pieza. Esto hará que su diseño más impresionante y un poco más profesional.
Conclusión
Hay un montón de elementos innecesarios de diseño que tiene que romper en este día de la tecnología rápida y una vez más actual de Internet. La industria del diseño gráfico es más grande que nunca, y seguirá creciendo. Si ustedes desean hacer su diseño más profesional, les sugiero los pasos anteriores, entre otros.
¿Qué otros consejos le agregarías a la lista?
(Traducido del original en inglés publicado por Preston D. Lee en Graphic Design Blender)
Media mix es el término utilizado en publicidad para establecer la combinación de medios a utilizar para promover un producto o servicio en una campaña publicitaria. Hoy, mientras venía en el tráfico encontré esta publicidad de un programa de televisión.
Me pareció interesante la combinación de medios: el Mupi (publicidad exterior), el logo del canal (la presencia que tendrá en TV -medio tradicional masivo-), logos de Facebook y Twitter (redes sociales en Internet).
Esto me hizo recordar que los medios no pueden trabajar solos. Antes el mix para promover una marca se planificaba con base a medios tradicionales (radio, prensa, televisión y alternativos). Actualmente los nuevos medios son imprescindibles como vínculo de interacción.
Y esto solo es un mínimo ejemplo, grandes compañías como Coca Cola o Pepsi están haciendo proyectos interesantes para promover su marca en todos los medios, asi como creativas e interesantes estrategias de combinación para atraer la atención de sus consumidores.
Al Ries en su libro “Las 11 leyes inmutables de la creación de marcas en Internet” explica cómo los medios han evolucionado a través del tiempo. El primer medio de comunicación de masas original es la voz humana.
Luego, vino la escritura y con ello el libro. Este recurso multiplicó la cantidad de personas a la cual podía llegar un mensaje. La periodicidad de las publicaciones añadieron la cualidad de noticias, lo que generó el medio prensa.
El avance de la tecnología permitió que la radio añadiera la cualidad de la voz humana al medio y los esfuerzos en innovación derivaron en la televisión, agregando movimiento al mensaje.
El Internet según Ries, será posicionado como el medio de comunicación más importante de todos, gracias a que es el único medio masivo que permite la interactividad. Aunque ya vemos este fenómeno a diario, será realmente interesante ver en los próximos años, qué más se les ocurrirá a los creativos para diseñar estrategias publicitarias y combinando los medios en sus campañas.
Nuestro gran amigo cumple 20 años (aunque parece mas joven), La primera versión fue inicialmente probada en la pantalla en 1987 con el nombre ImagePro, luego paso a llamarse Imaginator, fue hasta 1,990 que uno de los miembros del grupo de Adobe(r) propuso el nombre de phothoshop como finalmente se bautizo, la primera version oficial fuè lanzada en 1,990 Photoshop 1.0 con John Knoll, Thomas Knoll, Russell Brown and Steve Guttman, principales fundadores del software.
